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Semana de 22 - A Semana de Arte Moderna

Postado em 16 de outubro de 2012, às 13:00, por Vinicius Martins

Constituem a arte moderna grande parte da produção artística realizada a partir do final do século XIX até o ano 1970. Saiba mais sobre a arte moderna, no artigo:

O que é arte moderna?

No Brasil, a arte moderna teve início a partir da realização da Semana de Arte Moderna de 1922.

A Semana de Arte Moderna de 1922

A Semana de Arte Moderna, também conhecida como Semana de 22, apesar de ser chamada de semana, só durou três dias, ocorrendo nos dias 13, 15 e 17 de fevereiro de 1922. O local escolhido para o evento foi o Teatro Municipal de São Paulo.

Cartaz da Semana de Arte Moderna de 1922

O objetivo da Semana de Arte Moderna de 1922 era uma renovação do que era tido como arte e cultura naquela época, porém, muita gente não gostou daquilo e o evento foi alvo de muitas críticas. O que aconteceu é muito comum, pois, muitas pessoas não veem o "novo" com bons olhos e assim é preciso tempo para que se acostumem com ideias totalmente diferentes das que já conhecem.
Embora, não tenha sido um evento de grande importância na época, hoje em dia é um grande marco para a história do Brasil, pois, foi a partir do mesmo que a arte moderna se desenvolveu.

O que foi trabalhado na semana de arte moderna?

A Semana de Arte Moderna abrangeu diferentes aspectos artísticos e culturais, sendo assim, em cada dia da semana foi trabalhado algo diferente. Segue abaixo, o que foi trabalhado em cada dia da Semana de 22:

Dia 13 de fevereiro (segunda-feira): o tema principal foi as artes plásticas, ou seja, pintura e escultura. Nesse dia houve a conferência "A emoção estética da Arte Moderna", de José Pereira da Graça Aranha, além de haver várias pinturas e esculturas espalhadas pelo saguão do Teatro Municipal.
Dia 15 de fevereiro (quarta-feira): foi dedicado a poesia. Ronald de Carvalho recitou o poema "Os Sapos", de Manuel Bandeira, pois, este estava com uma crise de tuberculose e não pôde se apresentar. A pianista Guiomar Novais tocou alguns clássicos da música nos intervalos, contra a vontade dos demais participantes modernistas do evento. Paulo Menotti Del Picchia deu uma grande palestra sobre a arte estética.
Dia 17 de fevereiro (sexta-feira): o tema principal foi a literatura e a música. Teve apresentações do maestro e compositor brasileiro Heitor Villa-Lobos, com a participação de vários músicos.

Semana de Arte Moderna - Artistas

Vários artistas de diferentes seguimentos, pintores, escultores, escritores, músicos etc. fizeram parte da Semana de Arte Moderna. Segue abaixo, alguns dos participantes do evento:

Artistas plásticos

Victor Brecheret;
Anita Malfatti;
Menotti Del Picchia;
Sérgio Milliet;
Di Cavalcanti;
Vicente do Rego Monteiro;
Oswaldo Goeldi;
John Graz;
Zina Aita;
Inácio da Costa Ferreira;
João Fernando de Almeida Prado;
Antônio Paim Vieira;
Alberto Martins Ribeiro.

Escritores/Poetas

Mário de Andrade;
Oswald de Andrade;
Plínio Salgado;
Menotti Del Picchia;
Guilherme de Almeida;
Sérgio Milliet;
Tácito de Almeida.

Músicos

Heitor Villa-Lobos;
Guiomar Novaes;
Ernani Braga;
Alfredo Corazza;
Frutuoso Viana.

Embora, Tarsila do Amaral também tenha sido uma grande representante do modernismo no Brasil, não participou deste evento, pois, na época estava em Paris, na França.

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Obras de Michelangelo

Postado em 4 de outubro de 2012, às 13:00, por Vinicius Martins

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, mais conhecido como Michelangelo (ou Miguel Ângelo, em Portugal), foi um italiano escultor, pintor, arquiteto e poeta. Veja algumas obras criadas pelo artista, logo abaixo:

Pietà for Vittoria Colonna

A Criação de Adão

Pietà Rondanini

O Juízo Final

Pietà de Florença

Davi

Créditos da foto: Rico Heil

A figura feminina da Sibila Cuméia

Retrato de Vittoria Colonna

Centauromaquia

Madonna da escada

Créditos da foto: Saiko

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O que são artes plásticas?

Postado em 5 de setembro de 2012, às 13:00, por Vinicius Martins

Conhecer arte faz parte da vida de muitos seres humanos. Há diversos tipos de expressões artísticas, como a música, a dança, as artes cênicas e é claro, as artes plásticas.

Mas, o que são artes plásticas, afinal?

As artes plásticas também eram conhecidas como belas-artes, pois representavam tudo aquilo que é belo. Contudo, tempo depois alguns artistas pararam de representar a "beleza", que é um termo muito relativo, pois, cada um enxerga o belo de forma diferente, e começaram a criar obras que aos olhos de muitos já não eram mais assim.

Artes plásticas

Crédito da imagem: Donostia-San Sebastian 2016

Fazem parte das artes plásticas a pintura, a escultura, a gravura, o desenho e a colagem. A palavra arte vem do latim ars e significa técnica ou habilidade. O papel das artes plásticas é utilizar determinados materiais, aplicando técnicas, para que consiga expressar ideias e sentimentos.

Quando surgiram as artes plásticas?

Na pré-história, quando o homem caçava para sua sobrevivência, já há vestígios de artes, a chamada arte rupestre (pintura rupestre ou gravura rupestre). Neste caso a pessoa, normalmente pintava nas paredes das cavernas ou superfícies rochosas protegidas. Algo que era bastante comum de ser representado eram os famosos bisões, que os homens daquela época costumavam caçar.

Artes plásticas atualmente

Atualmente há cursos de artes plásticas, contudo, muitos estão deixando de lado este nome para dar lugar ao termo "artes visuais". As artes visuais abrangem não só o que era considerado artes plásticas, como boa parte daquilo que vemos, por exemplo performance, instalações, fotografia etc.

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O que é o MASP (Museu de Arte de São Paulo)?

Postado em 3 de setembro de 2012, às 13:00, por Vinicius Martins

Ir ao museu não é um hábito que todas as pessoas têm. Contudo, isto é ocasionado, muitas vezes, pelo aprendizado decadente que temos no Brasil. O MASP é um museu de arte que, ao menos os moradores de São Paulo, deveriam conhecer. O preço para entrar não é caro, além do fato de que na terça-feira a entrada é gratuita.

O que é o MASP?

O MASP é um museu de arte localizado na Av. Paulista, em São Paulo (SP). Também é conhecido pelos nomes: Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand ou, simplesmente, Museu de arte de São Paulo. Em sua coleção de obras há pinturas, esculturas, fotografias, desenhos, gravuras etc.
Fundado em 1947 pelo paraibano Assis Chateaubriand, um empresário e jornalista, e pelo ítalo-brasileiro Pietro Maria Bardi, um jornalista e crítico de arte, hoje o Museu de Arte de São Paulo possui cerca de 8 mil peças de arte, sendo boa parte de arte europeia, sobretudo, da Itália e da França. Além disso há bastante arte brasileira e um pouco de arte asiática, africana, entre outras. Quando foi fundado este museu funcionava no Edifício Guilherme Guinle (prédio dos Diários Associados), na rua Sete de Abril, centro de São Paulo, sendo transferido, posteriormente, para um edifício no bairro Higienópolis (que não durou muito tempo) e logo após, para a Avenida Paulista. O prédio da Av. Paulista foi projetado por Lina Bo Bardi.

MASP

Crédito da imagens: gnumarcelo

O museu conta com obras de artistas conhecidos internacionalmente, como Van Gogh, Delacroix, Renoir, Botticceli, Monet, Cèzanne, Diego Rivera, Picasso, Modigliani, entre outros. Na coleção brasileira, possui obras de Cândido Portinari, Di Cavalcanti, Anita Malfatti e Almeida Junior.
Como está no próprio site do MASP, sua missão é "Incentivar, divulgar e amparar, por todos os meios ao seu alcance, as artes de um modo geral e, em especial, as artes visuais, visando o desenvolvimento e o aprimoramento cultural do povo brasileiro".
O museu foi tombado em 1982 pelo Conselho de Defesa do Patrimônio Histórico, Arqueológico, Artístico e Turístico do Estado (CONDEPHAAT) e em 2003 pelo Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (IPHAN).
No site do MASP ainda é possível visualizar boa parte da história do museu, através de uma linha do tempo:

Sobre o MASP - Linha do tempo

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15 esculturas famosas

Postado em 31 de agosto de 2012, às 13:00, por Vinicius Martins

Dentro das artes plásticas temos a escultura, uma ótima maneira de o autor se expressar. Há muitas esculturas antigas (ou não tanto) que são bastante famosas. Veja 15 esculturas famosas, logo abaixo:

Autor desconhecido

Vênus de Milo

Michelangelo

David

Pietà

Baco

Fídias

Dionísio

Créditos da imagem: Marie-Lan Nguyen / Wikimedia Commons

Donatello

David de Bronze (réplica)

Auguste Rodin

O Pensador

O Beijo

Praxiteles

Hermes com Dionísio menino

Gian Lorenzo Bernini

O Êxtase de Santa Teresa

Apolo e Dafne

Arnolfo di Cambio

Estátua em bronze de São Pedro

Aleijadinho

Profeta Daniel

Victor Brecheret

Monumento às Bandeiras

Graça

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O que é nu artístico?

Postado em 23 de agosto de 2012, às 13:00, por Vinicius Martins

Em obras de desenho, pintura, escultura, fotografia, cinema, entre outros, é comum utilizar o nu artístico. O aprendizado da arte torna-se bem mais rico quando é possível ver uma pessoa despida e criar sua obra a partir da mesma. Contudo, até nos dias atuais pode haver uma certa censura por parte de algumas pessoas.

Mas, o que é o nu artístico, afinal?

O nu artístico tem sido usado desde a pré-história para representar o corpo humano. Os artistas representam nus os homens, mulheres, deuses, entre outros. O nu artístico, muitas vezes não tem a função de mostrar a sensualidade e o erotismo, na verdade depende do contexto em que determinada obra está inserida. Obras deste tipo podem ser feitas para mostrar a beleza de uma mulher, a perfeição de um homem (como na Grécia Antiga), ou ainda, estar envolvido com a religião.

A Maja Nua (La Maja Desnuda), por Francisco de Goya

Para fazer o nu artístico os artistas, na maioria da vezes, necessitam de um modelo, seja masculino ou feminino. Este modelo é conhecido pelo nome de modelo vivo e o mesmo deve ficar em determinada posição durante um certo período de tempo até que o artista consiga terminar sua obra.
Era a partir do Homem Vitruviano que muitos artistas faziam suas obras, este é um exemplo de como as proporções perfeitas eram de vital importância em épocas passadas. A partir do Homem Vitruviano era possível criar uma pintura ou escultura que tivesse uma proporção até então tida como perfeita.

A censura do nu artístico

Apesar de ser feito para a arte, já houve várias vezes em que o nu artístico foi criticado por alguns e tiveram até obras que foram danificadas por pessoas que tinham preconceito com o nudismo. Em igrejas católicas, por exemplo, já teve casos em que foi preciso cobrir o corpo de seres que estavam representados em obras de arte. Há pessoas que não aceitam, pois, pensam que o corpo de qualquer um deve estar coberto com roupas, até mesmo em obras de arte, como pintura, escultura etc.
Apesar da censura ter causado muitas perdas artísticas durante anos, o nu artístico continua sendo bastante utilizado e muito importante na arte do mundo todo. Quando há realmente uma liberdade de expressão não deveria existir a censura para acabar com a reprodução da obra. Contudo, certos locais podem acabar não sendo os mais adequados para a divulgação de obras deste tipo. Cabe a todos que cuidarão da criação e da exposição daquela obra, decidir o melhor local para que seja exposta.

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O que é hiper-realismo?

Postado em 14 de agosto de 2012, às 13:00, por Vinicius Martins

Há diversos tipos de pinturas e esculturas, sendo que cada uma são maneiras diferentes do autor se expressar. Embora tenha algumas formas de expressão em que boa parte da população não entende, há uma que surpreende muito, sendo chamada de hiper-realismo.

O que é hiper-realismo, afinal?

O hiper-realismo (ou hiperrealismo) são obras de arte, seja na pintura ou na escultura, que o artista retrata algo que parece ser uma foto em alta resolução. Muitas pessoas que olham para uma pintura hiper-realista sem saber do que se trata, pensam que é uma fotografia tirada de alguém ou de algum objeto real. O hiper-realismo é uma evolução do fotorrealismo.

Escultura hiper-realista, Ron Mueck

Créditos: Claudia Cota

O que consegue fazer com que estas obras fiquem tão parecidas com o real, está no fato de que cada detalhe é colocado nas mesmas. Além disso, o artista tem um bom entendimento das formas dos objetos, conseguem perceber luz e sombra e passar tudo isso para o papel (ou no caso da escultura, para o material que esteja usando).

Como surgiu o hiper-realismo?

Em 1973, ocorria uma exposição foto-realista organizada pela belga Isy Brachot, que usou o termo hiper-realismo como título da mesma. Desde de então, o termo começou a se popularizar cada vez mais e hoje, com a internet, ficou muito fácil de conhecer algumas obras que carregam o hiper-realismo.

Como faço uma pintura hiper-realista?

Se já sabe desenhar, entende as proporções do corpo humano, sabe passar tudo isso para o papel, sabe pintar etc. ficará mais fácil de aprender a criar pinturas hiper-realistas. Contudo, para chegar a este nível exige muito esforço e determinação para aprender. Não existe uma fórmula para aprender imediatamente, o melhor jeito mesmo é praticar, e se tiver condições, frequentar um curso que trabalhe isso com alunos.

Hiper-realismo e a computação gráfica

Com a evolução da tecnologia, dentre outras a computação gráfica, a produção de imagens hiper realistas digitais tornou-se algo viável. Hoje é possível criar imagens em 3D com hiper realismo utilizando softwares como o 3ds Max, Maya, entre outros, utilizando alguns renderizadores. A maior complicação nesta maneira está no fato de, além de saber como desenhar, terá que ter um bom conhecimento nestes programas.

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O que é um modelo vivo?

Postado em 13 de agosto de 2012, às 13:00, por Vinicius Martins

Quando queremos pintar obras realistas ou fazer desenhos realistas, ou melhor, entender as proporções do corpo das pessoas precisamos entender o corpo humano. Ver fotos, vídeos ou pessoas com roupas, acaba atrapalhando neste aprendizado, pois, não se dá para saber com precisão como é este corpo. Por isso muitos optam por trabalhar com um modelo vivo.

Mas, o que é um modelo vivo, afinal?

No desenho de modelo vivo, obviamente, precisa-se de um modelo. Este modelo, homem ou mulher, fica nu em algumas determinadas poses para que se possa desenhá-lo. Junto ao modelo pode ter um ou mais objetos. O desenho do modelo vivo é representação do corpo humano em uma superfície 2D, normalmente, uma folha de papel. Contudo, há também a escultura da figura humana que, do mesmo jeito, usa o modelo vivo, porém, desta vez ele é representado tridimensionalmente. Pode ser utilizado lápis, carvão, tinta, entre outro materiais. Quando se utiliza tinta, podemos dizer que é feita uma pintura da figura humana.

Desenho de modelo vivo

Créditos: Daniel Silva Lopes

Para que é importante um modelo vivo?

O modelo vivo é muito importante para analisar e entender as proporções que tem o corpo humano. Não é igual a pegar uma fotografia e tentar desenhar, pois, com o modelo vivo se tem outras noções de volume, luz, sombra etc. Desta maneira dá para entender melhor como é o corpo de uma pessoa.

Quem precisa aprender modelo vivo?

O modelo, normalmente, posa para um grupo de pessoas que estão aprendendo a desenhar. Para que o modelo vivo não se sinta mal em estar posando para estes alunos, deve-se ter o mínimo de respeito com o mesmo, lembrando que isto não é erotismo nem similar, e sim um estudo do corpo humano. Seguindo algumas regras dá para se ter um bom aproveitamento em uma aula de modelo vivo, sendo assim, os desenhos do aluno terão uma boa evolução. Mas, é claro, que antes de partir para uma aula de modelo vivo é bom ter algumas noções teóricas e práticas sobre desenho, pois, sem isso não adiantará de nada ficar frente ao modelo.

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